Хронология истории развития послевоенной моды России и стран Европы - Контрольная работа

Мир моды - это то, чему посвящают себя все модельеры. Этот пласт истории моды интересен и актуален в современном обществе, так как мода - это способ самовыражения, способ показать свою индивидуальность и достаток. Для достижения цели, были поставлены следующие задачи: · познакомиться с предшественницей создания моды Надеждой Ламановой; Гениальный художник, редкого дарования модельер, успешный предприниматель и очень мужественный человек, она заслужила славу первой дамы российской индустрии моды. Не случайно в 1924 году, когда блестящая эпоха русского модерна, на время которого пришлось начало славы Ламановой, оказалась позади, Марина Цветаева так зарифмовала фамилию модельера в своей «Пролетарской»: «Та богиня - мраморная, Нарядить - от Ламановой, Не гляди, что мраморная -В процессе данного теоретического исследования были решены следующие задачи: · знакомство с предшественницей создания моды Надежды Ламановой; Исторически сложилось так, что мода необходима и нужна в любом слое общества, в любые времена. Требования, предъявляемые разными эпохами и временами, отличаются друг от друга, характеризуя тенденции экономического, финансового и даже политического настроения общества. В современном мире мода связана с сезонностью (весна-лето и осень-зима). При этом исторически ранее мода в одежде могла не меняться на протяжении тысячелетий.

Мир моды - это то, чему посвящают себя все модельеры. С помощью моды женщина могла формировать или подчеркивать идеальную фигуру.

Стиль 1950-х считается самым изящным и обворожительным во всей истории ХХ века. С помощью моды женщина могла формировать или подчеркивать идеальную фигуру, помимо этого, в то время был модным колоритный, тщательный макияж, который наносили с самого утра. Все это очевидно - после войны, во время нехватки внимания мужчин, женщины идут на все хитрости, чтобы преподнести себя в выгодном свете.

В послевоенное время социальные различия обострились. Вновь жены должны были стать отражением благополучия своего мужа. Каждодневные визиты парикмахера и смена одежды пару раз в день вошли как обязательный ритуал, который должна соблюдать каждая. Идеальная домохозяйка и с пылесосом в руках рано утром должна была выглядеть безупречно - с полным макияжем, на высоких каблуках, с прической, уложенной волосок к волоску.

Новый силуэт песочных часов противопоставлялся четкому прямому с расширенными плечами силуэту военного времени. Он предъявлял определенные требования к фигуре, которым нужно было соответствовать: тонкая талия, покатые плечи, пышный бюст в сочетании с округлыми, женственными бедрами. Тело до требуемого стандарта буквально «лепили» из того, что было, - подкладывали вату в бюстгальтеры, утягивали талию.

Женщина в модной одежде того времени напоминала цветок - с пышной юбкой почти до щиколоток, покачивающийся на высоких каблуках-шпильках, в обязательных нейлоновых чулках со швом. Поразительная перемена стиля в суровое послевоенное время, когда ткани отпускались «по мерке», не больше, чем считалось нужным на скромное короткое платье «без излишеств», а чулки стоили баснословно дорого.

Тема курсовой работы интересна тем, что мода окружает нас повсеместно. Этот пласт истории моды интересен и актуален в современном обществе, так как мода - это способ самовыражения, способ показать свою индивидуальность и достаток.

Было просмотрено достаточное количество видео и фильмов, которое в свою очередь подтолкнуло к данному научно-теоретическому исследованию.

Выбранная тема послужит в будущей профессиональной работе дизайнера.

Все исторические исследования в направлении моды находят применение по сегодняшний день и подтверждают свою актуальность и востребованность.

Определение границ исследования: предмет - мода, объект - Россия и страны Европы, хронологические рамки - начало 20в.

Цель данной работы - исследовать хронологию истории развития послевоенной моды России и стран Европы.

Для достижения цели, были поставлены следующие задачи: · познакомиться с предшественницей создания моды Надеждой Ламановой;

· изучить биографию Надежды Ламановой;

· рассмотреть платье от Ламановой;

· выявить характерные особенности отсутствия модных веяний в стране;

· рассмотреть промдизайн 50-х в СССР;

· исследовать особенности моды Франции;

· описать и представить эмоциональную моду итальянцев;

· отметить особенности американской и немецкой моды;

· доказать творческую и художественную смелость Красного Диора.

Для достижения цели и задач предполагается использовать научную, документальную и учебную литературу, а также видео и фотоматериалы.

1. Предшественник стилист-модельер Надежда Ламанова и ее дома моды 20-30е годы

1.1 Краткая биография мода ламанова российский

Надежда Петровна Ламанова была удивительной женщиной с интересной судьбой. Гениальный художник, редкого дарования модельер, успешный предприниматель и очень мужественный человек, она заслужила славу первой дамы российской индустрии моды.

Жизнь была к ней и благосклонна, и сурова. Провинциальной девочке из обедневшей дворянской семьи с малых лет приходилось рассчитывать только на себя. Благодаря своему таланту, целеустремленности и организаторским качествам ей удалось сделать головокружительную карьеру в мире российской моды. На пороге 60-летия, когда казалось, что все трудности позади, она вдруг осталась ни с чем, пришлось начинать все заново, только уже в другой стране, хоть и родной, но классово ей чуждой. И у нее получилось.

Накопив достаточно средств и приобретя немало полезных связей, Надежда Петровна решилась открыть свое дело. В 1885 году 24-летняя Ламанова открыла собственное ателье, расположившееся в самом престижном торговом районе Москвы - на Большой Дмитровке. Прошло несколько лет - и об этой женщине с безупречным вкусом, неимоверным художественным талантом и блестящими организаторскими способностями заговорила вся Россия.

1.2 Платье от Ламановой

В сердцах российских модниц Ламанова очень быстро потеснила и отечественных модельеров, и прославленных французских модисток. Знатные аристократки и жены миллионеров за наряд от Ламановой были готовы пойти на что угодно, и это «что угодно» означало не только немалые деньги, которые стоили ее платья. По стране пошли слухи, что интеллигентная, тактичная и очень приятная в обычной жизни Надежда Петровна на работе превращается в настоящего диктатора. Счастливиц, заказавших у нее туалеты, она подвергала бесконечным примеркам, длящимся по несколько часов, не обращая внимания на их жалобы на усталость, и деспотично не допускала самостоятельного «творчества» своих клиенток относительно фасона, цвета и отделки платья - эти вопросы позволено было решать только ей. Тем не менее, результат стоил всех этих неудобств: в платье от Ламановой женщина чувствовала себя даже не королевой, а богиней. Не случайно в 1924 году, когда блестящая эпоха русского модерна, на время которого пришлось начало славы Ламановой, оказалась позади, Марина Цветаева так зарифмовала фамилию модельера в своей «Пролетарской»: «Та богиня - мраморная, Нарядить - от Ламановой, Не гляди, что мраморная -

Всем бока наламываем!»

Произведенные Ламановой изысканные и элегантные платья рубежа XIX-XX веков: вечерние, парадные, для визитов, будничные - и сегодня заставляют замирать каждую женщину. Ее платья отличались хорошим кроем, богатым спектром использованных фактур и отделок и редкой выразительностью. Однако, будучи сами по себе произведениями высочайшего искусства, они нисколько не затмевали тех, для кого предназначались, а подчеркивали их красоту и индивидуальность.

Стоит отметить, что отличием Надежды Петровны было еще и особый стиль работы. Клиентки никогда не видели в ее руках нитки с иголкой и ножниц, более того, Ламанова всегда говорила, что сама она шить не умеет, что, скорее всего, было преувеличением, просто она этого не любила и для своей миссии считала ненужным. Шили и кроили высококлассные модистки, нанятые Ламановой. Шедевры свои она создавала руководствуясь вдохновением и текущим моментом, практически не делая эскизов, и в этом отчасти кроется причина того, что о творческом наследии великого модельера сегодня известно так мало.

Клиентками Ламановой были и аристократки, и представительницы крупной буржуазии, а вскоре к ним прибавились и те, кто диктовал моду Первопрестольной: элита российской богемы, в том числе блестящие русские актрисы, среди которых были и Мария Николаевна Ермолова, и Ольга Леонардовна Книппер-Чехова, и многие другие. С артистическими кругами Надежда Петровна познакомилась благодаря своему мужу, Андрею Павловичу Каютову, меценату и актеру-любителю, известному юристу, накоротке знакомому со многими представителями художественной элиты. Они поженились в 80-х годах и прожили долгую и счастливую совместную жизнь, омраченную лишь отсутствием детей. Другом семьи был известный художник Валентин Александрович Серов, портрет Ламановой по горькой иронии судьбы стал последней его работой, который он не успел окончить изза преждевременной смерти.

Ламанова находила время, несмотря на занятость, чтобы совершенствовать свое образование в столице мод - Париже, где она частенько бывала. Там она и познакомилась с известнейшим и самобытным французским модельером Полем Пуаре, заслужившим славу реформатора женского костюма.

1.3 Отсутствие модных веяний в стране

Ламанова в отличие от многих других художников не эмигрировала, однако такая возможность у нее была, и соответствующие предложения от западных коллег тоже имелись. Она осталась на Родине и еще более двух десятков лет, будучи фактически единственным модельером с мировым именем в новой стране, продолжала заниматься тем, что делала всю жизнь: создавать одежду - и делала это в государстве, в котором, по большому счету, моде места не было.

60 лет - не самый подходящий возраст, чтобы все начинать сначала, но Ламановой это удалось, чем она еще раз доказала, что является очень мужественным человеком, не привыкшим подчиняться обстоятельствам и пасовать перед трудностями. Ей помогла и работа в театре, к которой позднее прибавилось сотрудничество в кино, и новые клиентки. Каковы бы ни были внешние обстоятельства женщины всегда остаются женщинами, и многие из них всегда будут стремиться к тому, чтобы хорошо одеваться. Не исключение и супруги новых руководителей страны, хорошо знавшие, что такое платья от Ламановой, и вскоре составившие ее новую клиентуру.

Все же, тяготы советской жизни Надежду Петровну не миновали: изза своего дворянского происхождения она попала в Бутырскую тюрьму, откуда ее выпустили благодаря ходатайствам старых друзей, имевших большое влияние во власти. Немалую роль в этом сыграл Максим Горький, очень хорошо знакомый с Ламановой по МХТ, чья гражданская супруга - актриса МХТ, а также общественный деятель Мария Федоровна Андреева - тоже любила щеголять в платьях знаменитого модельера. Немного спустя Надежда Петровна получила и официальную работу: по ее инициативе при Главном управлении научными, научно-художественными и музейными учреждениями была создана Мастерская современного костюма - уникальная экспериментальная студия. Ламанова также приняла активное участие в создании первых швейных учебных заведений Советского Союза.

Вряд ли Ламанова, человек старого склада, с радостью приняла новую власть, однако перемены в стране дали новый толчок ее творчеству. И ранее далеко неравнодушная к функциональным качествам своих нарядов и их практичности, Ламанова полностью погрузилась в работу над созданием нового вида одежды для граждан совсем юной страны - одежды социально ориентированной, простой, комфортной и, конечно же, красивой. Времена были не из лучших, и очевидно, что в истерзанной разрухой и Гражданской войной стране хорошие ткани были редкостью. Модницы использовали все материалы, которые были доступны - и старые платья, и шинели, и весь домашний текстиль. Большая часть моделей Ламановой отныне создавались из грубых и дешевых тканей - холстины, солдатского сукна, бязи. Она проводила эксперименты с материалами, стилями, моделями, смело обращаясь и к чужому ей, человеку другой школы, конструктивизму (который прекрасно подходил к работам с грубыми и жесткими тканями), и к традициям русско-народного костюма - что еще может быть лучше испытанной столетиями народной традиции. Приблизительно в это время были выражены и основные тезисы Ламановой: «Для чего предназначается костюм - его назначение; из чего делается костюм - его материал; для кого он делается - фигура, как он делается - его форма». Самое поразительное, то, что делала Ламанова в те времена, не шло в разрез с тенденциями мировой моды, даже, как обнаружилось спустя годы, во многом обходило ее.

Одежда, сотворенная в недрах Мастерской современного костюма, к сожалению, не нашла своего олицетворения в массовом производстве, хотя, нужно полагать, Надежда Петровна грезила и об этом, тем не менее время в стране было не то. Эту одежду носили лишь избранные. Однако в окружении Ламановой сплотился круг молодых художников и модельеров, некоторые из них после продолжили ее идеи. К этому периоду также относится близкое сотрудничество Ламановой с популярным скульптором и новатором Верой Игнатьевной Мухиной, также имевшей влечение к моделированию одежды. Несмотря на не малую разницу в возрасте женщины легко сдружились и стали близкими подругами.

Совместно Ламанова работала в театре - в МХТ, ставшем в 1919 году МХАТОМ, где в который раз показала свое умение шить одежду «из ничего».. Послевоенная мода 50-х

2.1 50-е годы в СССР

Стиль 1950-х считается самым изящным и обворожительным во всей истории ХХ века. С помощью моды женщина могла формировать или подчеркивать идеальную фигуру, помимо этого, в то время был модным колоритный, тщательный макияж, который наносили с самого утра. Все это очевидно - после войн, во время нехватки внимания мужчин, женщины идут на все хитрости, чтобы преподнести себя в выгодном свете.

В послевоенное время социальные различия обострились. Вновь жены должны были стать отражением благополучия своего мужа. Каждодневные визиты парикмахера и смена одежды пару раз в день вошли как обязательный ритуал, который должна соблюдать каждая. Идеальная домохозяйка и с пылесосом в руках рано утром должна была выглядеть безупречно - с полным макияжем, на высоких каблуках, с прической, уложенной волосок к волоску. Даже в СССР, где образ жизни существенно отличался от западных стандартов, в 1950-е гг. было принято минимум раз в неделю делать завивку и укладку в парикмахерской.

Новый силуэт песочных часов противопоставлялся четкому прямому с расширенными плечами силуэту военного времени. Он предъявлял определенные требования к фигуре, которым нужно было соответствовать: тонкая талия, покатые плечи, пышный бюст в сочетании с округлыми, женственными бедрами. Тело до требуемого стандарта буквально «лепили» из того, что было, - подкладывали вату в бюстгальтеры, утягивали талию. Эталоном красоты и стиля считались безумно популярные в те времена актрисы: Любовь Орлова, Клара Лучко, Элизабет Тэйлор, Мэрилин Монро, Софи Лорен, Грейс Келли. Среди молодежи таким эталоном - трендсеттером на десятилетие стали Бриджит Бардо и - в СССР после «Карнавальной ночи» - Людмила Гурченко.

Женщина в модной одежде того времени напоминала цветок - с пышной юбкой почти до щиколоток (под низ надевали легкую многослойную нижнюю), покачивающийся на высоких каблуках-шпильках, в обязательных нейлоновых чулках со швом. Поразительная перемена стиля в суровое послевоенное время, когда ткани отпускались «по мерке», не больше, чем считалось нужным на скромное короткое платье «без излишеств», а чулки стоили баснословно дорого. На одну юбку «нового силуэта» требовалось от 9 до 40 метров ткани! Западное общество разделилось на два лагеря - принявших этот стиль истово, как новую веру, и категорически не принимающих - активисты стыдили модниц на улицах, политики призывали их в прессе к экономности и т.д. До СССР «нью-лук» дошел с опозданием - только после смерти Сталина, во время хрущевской «оттепели». Как альтернатива существовал также предложенный Кристианом Диором стиль «Н» - прямая юбка в сочетании с мягким или прилегающим лифом. В моду вошла большая грудь, причем она должна была быть непременно остроконечной и такой высокой, что уже казалась неестественной.

«Стильные» рукава делали длиной 3/4 или 7/8 - что требовало обязательных длинных элегантных перчаток. Не менее модными были короткие нейлоновые или ажурные - в цвет туалета. Обязательной была небольшая круглая шляпка, кокетливо сдвинутая на глаза, которая зимой заменялась на «менингитку» - маленькую шапочку, прикрывавшую только затылок. Из аксессуаров актуальны клипсы и браслеты, а также ювелирные изделия с полудрагоценными камнями - хрусталем, топазами, малахитом. Кроме того, были невероятно популярны солнечные очки - с заостренными «стрелками» углами, украшенными стразами. На пике моды в то десятилетие были рисунок «клетка» в разных вариантах, а также «фирменное» Диоровское сочетание розового с серым. В СССР был очень моден мех вообще и каракуль - в частности.

У мужчин в моду вошли очень узкие брюки - дудочки, которые одевались «с мылом», и нейлоновые рубашки. Необходимым мужским аксессуаром по-прежнему оставалась шляпа.

В СССР бесспорное влияние на моду, на смелость фасонов и цветов оказали 2 крупных события: фестиваль молодежи и студентов и приезд Кристиана Диора со своими моделями для показа. Второе сильное течение 1950-х годов - различное переосмысление фольклорных мотивов - народов СССР и «дружественных». Очень сильным модным поветрием в СССР стали китайские вышитые кофточки и китайские же пуховые шарфики. А также появление «стиляг», начесывающих на голове «кок», слушавших рок-н-ролл и одевающихся по западной моде.

2.2 Особенности моды Франции

В конце 40-х и начале 50-х культовой фигурой мира моды является Кристиан Диор. После успешной коллекции New Look Диор выпускает еще несколько коллекций и дает им названия силуэтов: в 1950 году это «Вертикаль», в 1953-м - «Тюльпан», в 1954-1955 годах - H-, A- и Y-силуэты, в 1957-м - «Веретено». В том же 1957 году Диор как «Человек года» попадает на обложку журнала Time и спустя всего несколько месяцев неожиданно умирает, оставляя за собой самый многообещающий модный бизнес десятилетия с годовой выручкой в пять миллионов фунтов. За коллекции дома Christian Dior после смерти Диора берется его 21-летний помощник Ив Сен Лоран. Вдохновленный последним конструктивным открытием учителя - силуэтом «Веретено» с расслабленным кроем и отсутствием талии, он создает коллекцию «Трапеция», придавая платьям и пальто форму известной геометрической фигуры. «Франция спасена!» - кричат заголовки газет об успехе Лорана. Уже в следующей коллекции Ив экспериментирует с силуэтом груши, а потом посвящает всю коллекцию байкерской тематике, используя кожу, в том числе и рептилий, шерсть и мех. Такого экстравагантного подхода клиенты Christian Dior не ожидали, и в 1960 году Ив Сен-Лоран был уволен из Dior.

Именно в послевоенную эпоху успех приходит к Кристобалю Баленсиаге. Этот испанец по происхождению всегда стремился чувствовать время и отражать его в своих нарядах. Как талантливый колорист он обожал смешивать драматические оттенки черного, синего, белого, розового, серого и золотого, вдохновляясь живописью Веласкеса и Гойи, фламенко, корридой и ритуалами католической церкви. В 1953 году Баленсиага создает костюм, который станет одним из символов десятилетия: он состоит из полуприталенного жакета с высоким отложным воротником и прямой юбки с легкой плиссировкой. Такой удлиненный силуэт Balenciaga зрительно делал фигуру стройнее и тоньше, а минималистичный крой без лишнего декора не отвлекал внимание от самой женщины. Год спустя, в 1954-м, похожий костюм в своей первой после войны коллекции покажет и Коко Шанель, но только к черному жакету без пуговиц, которому суждено будет стать иконой Chanel, дизайнер добавит украшения в виде крупных брошек с камнями. Что касается вечерних нарядов, то в этой области моды в 50-е нет равных французам Жаку Фату и Пьеру Бальману. Фат делает себе имя на роскошных вечерних платьях с необычным декором - это были и огромные банты на поясах, и высокие воротники, закрывавшие лицо. Вечерние наряды Balmain в это время узнаваемы своими узкими корсетами, глубокими декольте, которые открывают пространство для ювелирных украшений на шее, и богатой вышивкой. Даже повседневные наряды от Balmain отличались роскошью: на пиджаках и муфтах костюмов дизайнер, например, использовал дорогостоящий и редкий мех леопарда…

В 50-е годы Париж остается центром модного притяжения, но дизайнерские звезды загораются и в других городах. В Великобритании это Норман Хартнелл, чьи наряды носит королевская семья, в Италии - молодые Роберто Капуччи и Эмилио Пуччи, уже в 50-е презентовавший свой знаменитый разноцветный принт на шелке, в США - Чарльз Джеймс, один из любимых кутюрье Баленсиаги и создатель знаменитого бального платья «Четырехлистный клевер» с четырьмя клиньями на юбке.

2.3 Эмоциональная мода итальянцев

Мода всегда имела важную роль на протяжении жизни всего человечества. Это было в первую очередь проявления социального класса, к которому принадлежал тот или иной человек. Впервые слово «мода» было употреблено в книге аббата Agostino Lampugnani «Carrozza da nolo, ovvero del vestire alla moda, dell"abate» в 1645 году.

Andre Suares, французский поэт и критик, как-то писал: «Мода - это самое лучшее, что может быть в фарсе: никто не смеется, потому что все в этом участвуют. Платье во все времена было самым главным объектом притяжения в обществе людей, важное средство коммуникации между ярко выраженными индивидуумами и серой массы людей.

Вторая Мировая Война закончилась. Мир изменился до неузнаваемости. Нужно было жить и мыслить по-новому. В 1949 году к Италии окончательно вернулась свобода. Опьяненная этим состоянием, она дала возможность молодым и талантливым дизайнерам проявить себя, рассказать всему миру о себе, заявить во всеуслышание языком одежды. На арену выходила новая Италия, пленяющая своими фильмами и модой.

25 февраля 1951 года графом Джорджини (Giorgini) был организован показ одежды во Флоренции. Именно эту дату историки моды считают официальным днем рождения итальянской моды.

В 1952 году Флоренция окончательно закрепила за собой позиции самого модного города в Италии. Многочисленные показы мод от дизайнеров проходили во дворце Питти.

Джорджини возрождает миф о дворянстве, открывает дворец для показа модной одежды; это мифическое место с богатой историей для презентации коллекции делает ее еще более значимой. Часто новую одежду в 50-х гг. демонстрируют не модели, а известные в узких кругах бомонда люди - для них это своеобразный способ войти в историю, напомнить о себе появлением в потрясающем наряде.

Как говорят сами итальянцы, мода в Италии - это нечто особенное, ее функции очень отличаются от функций Парижа, Лондона или Нью-Йорка. Для итальянцев мода является неким социальным статусом, а также невозможностью перейти из одного класса в другой, ведь ваш наряд - прямой намек на жизненные и финансовые позиции. Как говорят в одной пословице, «встречают по одежке». Мода - яркое проявления вашего статуса, и только уже потом выбор хорошего наряда будет говорить о вашей ярко выраженной индивидуальности.

Что значит одеваться по-итальянски? Вы должны всегда выглядеть элегантно, и дело здесь вовсе не в том, собираетесь ли вы на светский раут, и того требует ваш статус. Одеваться хорошо, со вкусом стал давно уже фактом культуры. Vestire all’italiana - это вкус, качество, ваш собственный взгляд на моду.

Показ мод - это время, когда все знаменитые дизайнеры встречаются, чтобы «помериться» своими достижениями и идеями. Конечно, речь не идет о каком-либо конфликте. Цель каждого - показать свою значимость коллекции в новом сезоне. Показы мод в последнее время стали не только неким театральным действом, которое всегда привлекало к себе внимание зрителей, но и успешным бизнесом. Сегодня показ мод не обходится без известных моделей - это их визитная карточка.

Одна известная американская компания провела опрос, в результате которого была определена пятерка самых популярных итальянских брендов среди покупателей по всему миру: Gucci. Дом Гуччи был основан во Флоренции Гуччо Гуччи 1921 году. Prada. Этот бренд был основан Марио Прада в 1913 году. Первый магазин, открытый Марио, был посвящен изделиям из кожи.

Armani, бренд основан Джорджо и Серджо Армани в 1975 году. Одежда, часы, украшения, парфюм - все это вы найдете у Армани.

Versace основан в 1978 году. Любовь к шитью Джанни Версаче привила еще в детстве мама. Dolce & Gabbana. Одни из самых популярных брендов нашего времени. Domenico Dolce & Stefano Gabbana основали его в 1975 году.

2.4 Американская мода 50-х

В то время когда господин Диор на авеню Монтень создавал историю и творил великолепные платья в стиле new look, в Америке 50х подрастающее поколение беби-бумеров пыталось самоиндефицироваться и найти свой собственный стиль.

Женщины Америки 50-х годов старались быть шикарными даже дома, меняя наряды по несколько раз в день, воплощали собой образ хорошей хозяйки и любящей жены, которая настолько идеальна, что даже полы моет на каблуках и с укладкой.

Пресноватый образ своих родителей, с их пикниками и воскресными походами в церковь был для бэби-бумеров ужасно скучным и ненастоящим. Новому поколению, чье детство не было омрачено войной, хотелось чего-то яркое и неординарного, поэтому тинейджеры стали черпать вдохновение в различных субкультурах, а также слушать «непристойную музыку» афроамериканцев.

Далее появляется рок-н-ролл. Для подростков того времени новый музыкальный стиль был переворотом, который менял их привычный образ жизни и манеру одеваться.

Большое влияния на моду Америки 50х оказывают и хипстеры, которые отвергали любой стиль из существовавших, что тоже являлось своеобразным стилем. Девушки-хипстерши носили облегающие кофты, узкие юбки с вызывающим разрезом до бедра или пышные солнце-клеш.Настало время жизнерадостной одежды с акцентом на удовольствие и яркие принты.

Дизайнеры удачно интерпретировали этот ретрообраз в современные коллекции. Отсюда и такое количество расклешенных юбок, струящихся по фигуре, декольте, а также высоких топов.

2.5 Германия - центр дипломатической жизни

Бад Годесберг - столица высокой моды

Бонн. В 1949 году этот небольшой и симпатичный город на Рейне стал столицей ФРГ, а его пригород (сегодня это - один из районов Бонна) - Бад Годесберг - центром дипломатической жизни. Именно в Бад Годесберге расположились резиденции послов и здания дипломатических представительств. Городок, некогда столь любимый Гитлером, «отмывался» от темного прошлого, радушно встречая гостей со всего мира. В нем было что-то французское, что-то британское, что-то американское. Некогда тихая провинция разрослась, расправила крылья, поверив в свою значимость международного масштаба.

И именно сюда, в маленький пригород Бонна, в марте 1952 года привезли новейшую коллекцию Кристиана Диора. Место для торжественных дефиле выбрали самое праздничное: дворец «Редут» (Redoute) был построен в конце 18-го века для проведения балов и прекрасно сохранился, практически в первозданном виде дожив до наших дней. Это здание многое повидало на своем веку. Здесь с концертами выступал молодой Бетховен (Ludwig van Beethoven), потом на какое-то время дворец превратили в казино, а сегодня здесь проводят шумные тематические вечеринки-дискотеки. Но вернемся в 1952 год, когда по залам «Редута» грациозно порхали лучшие манекенщицы Кристиана Диора.

До еврозоны, было время, когда никто еще даже не предполагал, что в объединенной Европе будет общая валюта, а границы между некогда враждовавшими государствами станут прозрачными. Для того, чтобы привезти в Германию из Франции платья от Диора, потребовалось получить массу разрешений на самых высших уровнях. Таможенники на границе - подробно изучали каждую вывозимую / ввозимую деталь, придираясь к мелочам, а ведь везли парижане в Бонн не только сами платья, но и меховые манто, туфли, шляпки, аксессуары и прочие чудеса модной индустрии.

Транспортировка коллекции Ligne Sinueuse («Волнистая линия») сезона весна / лето 1952 года обошлась совсем не дешево. Затраты надо было как-то окупать. Входной билет на дефиле в «Редуте» стоил 1200 марок (средняя зарплата по Германии на тот момент - 320 марок). Позволить себе такую роскошь могли немногие. Часть зрителей составили представители дипломатического корпуса, находившиеся на тот момент в Бонне. Представителям мира моды вход на дефиле был строго-настрого запрещен: Кристиан Диор очень следил за соблюдением своих авторских прав и опасался плагиата. Его новую коллекцию до Бад Годесберга показывали всего один раз, и было это на ее «исторической родине» - в Париже.

Всего в Бад Годесберг привезли 80 моделей, среди которых были и вечерние платья, и деловые костюмы. Одна только страховка мехов и платьев обошлась в гигантскую для послевоенного времени сумму: 528 тысяч марок. Кроме того, пришлось заплатить штраф придирчивым таможенникам, которые нашли-таки среди привезенных шедевров детали, изначально в декларациях не значившиеся.

Каждое вечернее платье «волнистой» коллекции Диор назвал в чью-то честь: большинство моделей носило имена известных писателей. Было в числе нарядов и платье под названием «Гоголь» - светлое, с ярким цветочным орнаментом.

Всего два показа прошли в Бад Годесберге, после чего дружная группа парижан отправилась в Дюссельдорф, тогдашнюю столицу немецкой моды, где было запланировано еще одно дефиле.. Красный Диор

Вячеслав Михайлович Зайцев. Лауреат Государственной премии РФ, премии Президента РФ, заслуженный деятель искусств РФ, член-корреспондент Российской академии художеств, доктор искусств, профессор, почетный гражданин городов Иваново и Парижа.

Родился 2 марта 1938 года в городе Иваново. Отец - Зайцев Михаил Яковлевич. Мать - Зайцева Мария Ивановна. Супруга - Зайцева Марина Владимировна. Сын - Зайцев Егор Вячеславович.

Имя Вячеслава Зайцева почти 40 лет связано с миром моды. Оно не просто популярно - ему принадлежит свое собственное место художника и творческой личности. Все эти годы Зайцев лидирует в отечественной моде - не только как один из первопроходцев в этой области, не имевшей в нашей стране, в отличие от Запада, своей индустрии и долго не воспринимавшей самого понятия - дизайна моды, но главным образом по мощи таланта и весомости творческого вклада.

Детство будущего художника протекало в годы войны, в типичных для того времени условиях. Отец был призван в армию, и все тяготы жизни выпали на долю матери - простой и трудолюбивой женщины. Мария Ивановна в молодые годы мечтала о сцене и была человеком одаренным, чутким и восприимчивым. Именно поэтому она оказала очень большое влияние на сына, пробудив в нем с детских лет интерес к окружающему миру, красоте природы, чтению и народной песне.

В 1945 году Слава Зайцев поступил в ивановскую среднюю школу №22, а в 1952 году после ее окончания начал учебу в Ивановском химико-технологическом техникуме, который окончил с отличием в 1956 году по специальности художник текстильного рисунка. Выбор профессии, как и у большинства молодых людей, родившихся в столице русского ситцевого края, был скорее данью традиции - полученная профессия гарантировала обеспеченность работой на производстве.

Приехав в Москву в 1956 году, будущий известный художник мало походил на столичных абитуриентов - он отличался от них своими представлениями о жизни, людях и искусстве. Зайцев сразу же был принят на отделение моделирования одежды факультета прикладного искусства, обратив на себя внимание редкой одаренностью. У матери не было средств, чтобы помочь сыну в годы учебы, - отец в конце войны попал в плен и вернулся домой только через 17 лет после мобилизации в армию. Зная, что рассчитывать можно только на себя, Вячеслав все годы совмещал учебу с работой. Он прекрасно понимал, что ему предстоит многое преодолеть, чтобы добиться успеха и не терял зря времени, жадно впитывая впечатления и знания - посещал музеи, выставки, театры.

Самое пристальное внимание Вячеслав Зайцев уделял русскому народному искусству. Он совершил поездку на Русский Север - в древние города. В огромном богатстве народной мудрости и красоте его привлекла не поверхностная этнографичность и возможность интонирования под русский стиль, а сама суть искусства, заключенная в устоявшемся в веках пластическом языке. Это - пропорция, ритм, сочетание излюбленных цветов, мажорность колористического строя и глубокая человечность.

В 1950-х годах не только студенты, но и дипломированные художники имели крайне узкое представление о мировой моде, лишенные доступа к необходимой информации. Единственным источником знаний в этой области были зарубежные журналы. Получая их во время занятий в Театральной библиотеке, Зайцев познакомился с великими мастерами моды. Его невероятно захватило творчество Поля Пуаре, Габриели Шанель и Кристиана Диора, которых он считал выдающимися скульпторами ткани, сумевшими выразить свою эпоху. Тяготение Вячеслава к высокой моде («от кутюр») полностью соответствовало природе его дарования и внутреннему складу - врожденной тонкости, склонности к фантазии, изяществу, отличающему пластику его моделей. Этим и было обусловлено желание выполнить в качестве дипломной работы модели нарядной одежды. Однако за ним закрепили другое задание - женский деловой костюм. С ним он справился превосходно, получив высший балл.

В 1962 году, окончив с отличием Московский текстильный институт, Зайцев по распределению попал на Экспериментально-техническую швейную фабрику Мособлсовнархоза в городе Бабушкине и был назначен ее художественным руководителем. Опережая свое время, модельер уже в самом начале деятельности создал коллекцию спецодежды для работниц области и села. Очень смелая по меркам тех лет, использующая элементы народного искусства в крое и цветовом решении, она разрушала стереотип представления об облике женщин-тружениц, но после бурного обсуждения, к сожалению, была отвергнута методическим советом. Зато вскоре ее опубликовал журнал «Пари матч» со статьей «Он диктует моду Москве».

Спустя 3 года, в 1965 году, автора коллекции, так и не увидевшей свет, по этой статье разыскали Пьер Карден и Марк Боан («Диор»). За время, предшествовавшее встрече, Вячеслав Зайцев сумел проявить себя настолько убедительно в создании модной женской одежды для торговой сети столицы и области, что был приглашен на должность художественного руководителя экспериментально-технического цеха Общесоюзного Дома моделей одежды на Кузнецком мосту в Москве. Ознакомившись с творчеством своего молодого коллеги, известные парижские кутюрье, в том числе и присутствовавший на встрече Ги Лярош, признали в нем профессионала. Результатом этого знакомства стала статья «Короли моды» в газете «Women Wear Daily» («Женская повседневная одежда»). Однако «равным среди равных», как называют себя избранные мастера моды мира, принадлежащие к «Мезон де кутюр» в Париже, Зайцев стал почти через четверть века, в год своего 50-летия. До 1986 года он был лишен возможности выезда в капиталистические страны.

В Доме моделей одежды Вячеслав Зайцев проработал 13 лет, завершив там свою карьеру в качестве заместителя художественного руководителя. За это время им была проделана огромная работа по созданию направляющих сезонных коллекций одежды для домов моды и предприятий легкой промышленности СССР и стран СЭВ. Она выполнялась систематически совместно с группой ведущих художников под руководством модельера, и в ней учитывалось множество задач и объективных условий: уровень отечественной промышленности, качество тканей, климатические особенности регионов, возрастные категории потребителей.

В тот же период проходила успешная творческая работа Зайцева над созданием авторских моделей. Это демонстрация знаменитой «Русской серии» (1965-1968), а также коллекции по русским народным мотивам из ивановских ситцев (1976) и иных предложений в составе сводных коллекций Дома моделей одежды в США, Канаде, Японии, Франции, Югославии, Италии и многих других странах. Но эти показы, принципиально важные для творческой деятельности художника, всегда проходили без его участия. В 1967 году Зайцев получил Гран-при за платье под девизом «Россия» на Всемирном фестивале моды в Москве.

Именно в этот период Вячеслав Зайцев начал восприниматься на Западе как лидер советской моды, его высокий авторитет выразился в присвоенном ему в западной прессе своеобразном титуле «Красный Диор», которое подчеркивало органическую связь уникального искусства модельера с лучшими традициями мировой моды. В 1974 году в «Обзоре моды за 100 лет» по версии чехословацкого журнала «Кветы» Вячеслав Зайцев занял место в галерее портретов выдающихся художников мира моды вместе с такими именами, как Фредерик Ворт, Поль Пуаре, Габриель Шанель, Кристиан Диор. Очень требовательный к себе и не удовлетворенный результатами труда в Доме моделей одежды, Зайцев расстается с работой, которой отдал долгие годы. Доводы Зайцева просты: при сложившейся системе многоступенчатых советов, государственного стандарта и отсутствии индустрии моды в моделях искажается авторский замысел, и они устаревают в производстве, еще не дойдя до потребителя. Поэтому и труд модельера малоэффективен, а лозунг «Оденем всех!» превратился в пустую формальность.

Многостороннее дарование художника позволяло ему развивать творческий поиск в разных направлениях. К 1970-м годам его искусство достигает высокой концентрации творческих возм

В процессе данного теоретического исследования были решены следующие задачи: · знакомство с предшественницей создания моды Надежды Ламановой;

· изучение с биографией Надежды Ламановой;

· рассмотрены первые предложения платья от Ламановой;

· выявление характерных особенностей отсутствия модных веяний в стране;

· рассмотрели развитие промдизайна 50-х в СССР;

· исследовали особенности моды Франции;

· описали и представили эмоциональную моду итальянцев;

· отметили особенности американской и немецкой моды;

· доказали творческую и художественную смелость Красного Диора.

Работа доставила огромный информационный интерес. Исторически сложилось так, что мода необходима и нужна в любом слое общества, в любые времена.

Быть модным - значит быть эстетически грамотным, воспитанным в традициях страны и ее культуры. Требования, предъявляемые разными эпохами и временами, отличаются друг от друга, характеризуя тенденции экономического, финансового и даже политического настроения общества. Внешний вид общественных масс говорит о его благосостоянии или, наоборот, о его безразличии и «серости».

В современном мире мода связана с сезонностью (весна-лето и осень-зима). При этом исторически ранее мода в одежде могла не меняться на протяжении тысячелетий.

Кому нужна была мода в советской России? Да собственно практически никому, но модная индустрия все же сложилась, хоть и весьма мучительным и длительным путем. Вся советская мода шагала через время своим собственным маршрутом. Над ее созданием кропотливо трудились талантливейшие профессионалы. Индустрия моды была сложена из мастерства модельеров и конструкторов века минувшего, а также из новых и свежих идей художников нового поколения в стране советов.

И, наверное, можно сказать спасибо таким людям, которые посвятили свое творчество миру моды и одежды, чем прививали вкус, укореняли традиции, «расцвечивали» до разнообразия модниц и модников.

Ламановой спасибо за существенный вклад в развитие советской моды на рубеже 20-30х годов. Ее имя являлось синонимом вкуса и изысканности. Сегодня почти не осталось ее эскизов, ведь она творила по вдохновению. 14 платьев последней российской императрицы от Надежды Ламановой выставлены в музее Эрмитаж. И они поистине являются произведениями искусства.

Красному Диору за развитие русско-народного творчества отдадим дань уважения. Им была проделана огромная работа по созданию направляющих сезонных коллекций одежды для домов моды и предприятий легкой промышленности СССР и стран СЭВ, а также успешная творческая работа над созданием авторских моделей. Он создал первый в стране профессиональный Театр моды.

1. Блохина И.В. Всемирная история костюма, моды и стиля, 2007.-243 с.

2. Ермилова Д.Ю. История домов моды, 2003. - 193 с.

3. http://mozartloperarock.mybb.ru/viewtopic.php? id=23&p=5

4. http://www.moda.ru/content/id/12047/8599/

5. http://www.moda.ru/content/id/12047/8599/Zaytsev Vyacheslav

Размещено на .ru